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Films

  • A propos de Joker...

    La sortie du film Joker, de Todd Philipps, que beaucoup semblent comparer au célèbre Taxi Driver de Martin Scorsese, suscitent quelques débats sur la toile. Nous vous proposons deux points de vue sur ce film, celui de Paul Fortune, l'auteur de Poids-lourd, et celui du journaliste québecois Patrice-Hans Perrier. On rappellera que le Joker est un personnage déguisé en clown, issu de l'univers de Batman, et des comics américains, qui incarne désormais la figure du méchant, nihiliste et psychopathe, dans la culture populaire occidentale...

     

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    Signe des temps

    J’ai vu Joker de Todd Philipps, et c’est presque aussi bon que ce que laissait présager la bande-annonce. Noirceur, violence, solitude, frustration et éclatement. Une photo remarquable, une bande-son impeccable et une mise en scène qui ne se laisse jamais aller au tape-à-l’oeil. Joker est formellement un très bon film, et ses thèmes touchent juste. Ce film a été annoncé par ses détracteurs comme un manifeste pour incels au bord du basculement, et il n’est pas loin de l’être. Signe des temps, il est probablement plus pessimiste que ses illustres prédécesseurs.

    Le modèle est manifestement Taxi Driver, auquel on aurait greffé la dimension tragi-comique de The King of comedy. À chaque fois c’est le drame d’un loser solitaire, réprimé, ignoré, moqué. Un type qui n’est rien. Là où Travis Bickle se débat dans un combat existentiel pour assumer une masculinité qui lui échappe dans un monde trop complexe, Rupert Pupkin cherche à tout prix la reconnaissance et croit en lui-même jusqu’à l’aveuglement, et ce malgré son absence manifeste de talent. Il y a dans le personnage d’Arthur Fleck des éléments évidents : lui aussi est un dépressif solitaire qui se bourre de médicament et tient un journal qui ressemble fort à celui de Travis Bickle, mais il est également un clown pathétique et raté qui ne rêve, tout comme Rupert Pupkin, que de passer dans l’émission comique phare de la télévision.

    Arthur Fleck cependant possède une dimension qui m’a semblé un peu décevante, celle de la maladie mentale avérée. Fou, il n’est plus entièrement responsable de ses actes, et la mécanique infernale de solitude et de désocialisation qui jouait parfaitement pour Bickle et Pupkin perd ici un peu de son utilité. On aurait aimé un Joker moins fou, ce qui l’aurait rendu forcément plus cynique et plus méchant – mais il semble que Todd Philipps ait reculé devant la possibilité de faire de son héros un méchant véritable. Il lui fallait cette excuse de la maladie mentale pour désamorcer les implications les plus effrayantes de son personnage.

    Ce qu’il y a de commun entre Bickle, Fleck et Pupkin, c’est l’absence totale de père, donc de guide et de garde-fou. Dans Taxi Driver, nous ne savons presque rien des parents de Travis, à qui il écrit régulièrement et dont nous ne pouvons même pas dire qu’ils existent réellement. Si Travis a bien un père et une mère, il a quasiment rompu avec eux et se place comme une sorte d’orphelin, un homme qui, selon ses propres mots, a été poursuivi par la solitude toute sa vie. Arthur Fleck et Rupert Pupkin sont bien plus proches. Tous deux vivent avec leur mère et ne connaissent aucune figure paternelle. La mère de Pupkin ne nous est connu que par sa voix et est reléguée au second plan, mais l’admiration de Pupkin pour un animateur de télévision célèbre est évidemment une recherche de figure paternelle dont l’absence dans sa vie laisse le champ libre à la mythomanie puis à la violence. Le cas d’Arthur Fleck est un peu moins subtil. Todd Philipps nous montre franchement la relation malaisante, malsaine qu’il a avec une mère dont nous apprendrons par la suite qu’elle n’est qu’adoptive (ce qui permettra de faire passer son meurtre par Arthur), et met en évidence la recherche d’un père. Arthur Fleck est rejeté par le riche Thomas Wayne puis méprisé et moqué par le présentateur de son émission préférée. Double échec, double frustration.

    La relation de Arthur Fleck aux femmes reste de l’ordre de l’imaginaire, mais ne possède pas la dimension frustrante centrale qu’on trouve dans Taxi Driver. Au fond, dans Joker, l’accès aux femmes n’est même pas une possibilité pour Fleck. Pour lui, tout est joué d’avance et cette porte est fermée quoi qu’il arrive, alors que Travis Bickle et, dans une moindre mesure, Rupert Pupkin, pouvaient nourrir un espoir de relation avant que tout ne s’écroule, en partie par leur faute. Arthur Fleck est un looser intégral, un outcast, comme le montre sa proximité avec le nain qu’il épargne après avoir massacré un collègue de travail. Fleck est déjà du côté des freaks, des monstres, des anormaux.

    C’est une peinture assez angoissante de ce que peut vivre un incel, ce célibataire involontaire qui devient une figure ignorée mais centrale de notre monde. Le Joker en est évidemment une version outrée, grotesque, extrême, mais il pointe l’existence de ces hommes, jeunes ou moins jeunes, qui ne peuvent trouver leur juste place dans la société. Le Joker est une façon de se pencher sur ces hommes, d’essayer de les faire venir progressivement sur le devant de la scène. Plus personne ne peut croire au super-héros, ils sont en toc, alors que le Joker est beaucoup plus réel dans ses outrances. Il est d’ailleurs étonnant de voir la confrontation entre le Joker et le jeune Bruce Wayne, futur Batman, qui n’a qu’une dizaine d’années. Wayne est dépeint comme un gamin dont on devine qu’il est privilégié et a un destin tout tracé de personnage supérieur. Face à lui, et qui se croit son frère, nous voyons un Joker déjà homme, et qui a déjà tout raté par un mélange de fatalité et de basse naissance – il est d’abord un bâtard puis finalement un enfant abandonné, celui dont personne n’a voulu sinon une femme dérangée mentalement qui l’a adopté. Le Joker, c’est la figure de cet homme qui, dès le départ, n’a eu aucune chance. Pour qui il n’y avait rien, sinon une vie d’échecs et de renoncements.

    C’est là que prend racine la dimension sociale du film, brute et simpliste, mais dont le message limpide est celle d’une révolte désespérée, envieuse et fatalement vouée à la violence puis à l’échec, de tous ceux qui sont considérés par la puissants comme, selon les mots du riche Thomas Wayne, « des clowns » – un mépris et une morgue qui rappellent de façon frappante Macron parlant des « gens qui ne sont rien ». Sous le masque de clowns grotesques, la populace se livre à un déchaînement de violence initiée à son corps défendant par Arthur Fleck. Cela fait écho de façon étonnante à la révolte furieuse mais un peu vaine des giles jaunes qui ne trouvent plus comme exutoire à leur colère que l’affrontement et l’accusation des riches et des puissants.

    Malgré un certain manichéisme, Joker met le doigt sur quelque chose de très profond. La révolte n’est plus celle des peuples opprimés mais conscients politiquement, et ne mènera nulle part sinon à la violence libératrice sans lendemain. Il ne reste rien des luttes sociales, il n’y a plus que des individus plus ou moins résignés, plus ou moins équilibrés, et dont les plus brisés d’entre eux sont ceux qui, n’ayant plus rien à perdre, vont basculer et entraîner dans leur chute celle de toute la société. Mais comme il le dit lui-même, Joker ne fait pas de politique. Il est un pur nihiliste dont les difficultés existentielles sont décuplées par les difficultés sociales. C’est le visage moderne de la révolte face aux puissants : il sait qu’il n’obtiendra rien et ne prend même pas la peine de demander quoi que ce soit, seule lui suffit la catharsis de la violence. C’est un personnage grotesque pour une époque grotesque.

    Le plus beau reste son attitude altière et décontractée de rockstar une fois qu’il a basculé dans la violence et revêtu son costume. Voila un homme qui ne peut se sentir bien que dans le chaos. Il n’y a pas grand-chose à faire contre ce genre de personnage.

    Paul Fortune (Blog de Paul Fortune, 13 octobre 2019)

     

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    L’apothéose de la culture de la mort

    La nouvelle mouture cinématographique du Joker est inspirante puisqu’un nombre incalculable de bimbos de la presse aux ordres semble craindre que cet opus puisse inciter certains blancs-becs laissés pour compte à passer à l’acte.

    La démesure comme purge salvatrice

    Hommage à la démesure au cœur du quotidien des « cerveaux dérangés », cette nouvelle production hollywoodienne semble mettre la table pour un procès en règle de notre société post-industrielle. Société du paraître où les plus faibles sont prestement mis en quarantaine, en attendant qu’on les euthanasie. C’est dans ce contexte que la figure, désormais, emblématique du Joker nous interpelle, comme si le « mal ordinaire » qui dort dans les eaux mortes de l’Amérique finissait par engendrer des « misfit » [mésadaptés] qui représentent un danger pour la sécurité des pharisiens aux commandes.

    Un critique sur le web parle de la nouvelle incarnation du Joker par l’acteur Joaquin Phoenix en le dépeignant comme « … un mec qui pète un plomb après en avoir pris plein la gueule … ». De fait, la nouvelle version de cette histoire épique met en scène un Joker qui personnifie tous les mésadaptés de notre société vénale plongés au plus profond de leurs insolubles contradictions. Le mal et le bien n’existent plus. Seule, la folie ordinaire causée par la souffrance au quotidien exulte au gré d’un magnifique carnaval sadique et dionysiaque. Le mal-être finit par percoler le plus naturellement du monde à travers les vaisseaux sanguins d’une société qui ressemble à s’y méprendre à un vaste camp d’internement psychiatrique.

    L’internement et la torture comme modus operandi

    De facto, l’extraordinaire attirance générée par les antihéros de la trempe d’un Joker proviendrait du fait qu’ils personnifient une hypothétique revanche prise en charge par toutes les victimes des ordres psychiatriques, paramilitaires, mafieux et pseudo-religieux aux commandes du grand œuvre qui consiste à massacrer l’innocence stricto sensu. C’est justement ce phénomène libidinal qui fascine les foules depuis plus d’un siècle déjà.

    La revanche sanglante du fou qui a été castré chimiquement, qu’on a édenté et électrocuté jusqu’à plus soif, prostré dans sa camisole de force et bafoué en son âme, cet appel d’air plonge littéralement les foules cinéphiles dans un état extatique. Et, cette fois-ci, il semblerait que la presse officielle aux abois n’ait pas du tout apprécié cette sordide mise en scène, craignant qu’une part importante du public ne finisse par se transformer en émule du Joker. L’internement et la torture représentant, in fine, le modus operandi d’une société construite sur le modèle d’une machine à générer toujours plus d’aliénation.

    Une rédemption à l’envers

    La dernière version cinématographique du Joker, mise en scène par Todd Phillips et son acolyte Joaquin Phoenix, est plutôt réaliste et s’inspire du style des polars mis en scène par tous les Scorsese des années 1970. C’est avec cette idée en tête que l’on peut facilement dresser un parallèle entre le Joker de Todd Phillips et le Taxi driver de Scorsese dans un contexte où c’est l’univers des mégapoles qui génère son lot de dégénérés. Ainsi, la folie, à plus forte raison si elle exulte au gré d’une orgie punitive, représente-t-elle une sorte de vengeance divine, ultime catharsis qui agit comme une rédemption à l’envers.

    Un immense vide existentiel

    S’il faut bien racheter les crimes de cette société, autant faire payer des boucs émissaires qui le méritent après tout. C’est ce que semblent insinuer ces deux opus américains en mettant en scène des déséquilibrés qui agissent comme des agents dormants, des forces létales qui attendaient leur moment pour se mettre en action et emporter les restes de la pudibonderie d’une moraline mise en scène par les bourreaux de la Société du spectacle. Malheureusement, une fois que l’expiation s’est traduite par de généreux bains de sang et que la catharsis s’est apaisée, il ne reste plus rien qu’un immense vide existentiel.

    Une fois purgée de son lucre, de son stupre et de sa vénalité congénitale, la société reprend ses bonnes vieilles habitudes et la « violence ordinaire » peut se remettre à fonctionner imperceptiblement à travers les rouages d’un ordo marchand qui règle tous les rapports humains. Toute la grandeur d’un Scorsese consiste à pointer l’éclairage en direction des avocaillons, des malfrats et des dames de la bonne société afin de nous les montrer dans leur plus simple appareil. Tels des cafards, les acteurs de cette société du jeu et de la ripaille se mettent à courir dans tous les sens dès lors qu’un justicier dément les a pris pour cible.

    Purger le mal à défaut de propager l’amour

    Bien évidemment, cette purge fait le bonheur du cinéphile, trop désireux de fuir ses propres responsabilités afin de se réfugier dans cette funeste némésis. N’empêche, la « violence ordinaire » de nos congénères mérite bien, si l’on entre dans la tête des cinéphiles, quelques funestes représailles … afin qu’une poignée de complices des méfaits de cette abominable société expient pour leur complaisance. Toutefois, c’est un fantasme de guerre civile qui couve derrière toute cette folie vengeresse et meurtrière. Et, à force de vouloir purger le mal, c’est la vie dans son plus simple appareil qui en prend pour son grade !

    On retrouve derrière toute cette soif de revanche quelque chose de proprement puritain, de typiquement américain. Il n’est donc pas surprenant que les Majors d’Hollywood aient consenti à produire cette version du Joker qui sort des sentiers battus pour s’épancher sur la déchéance sociale d’une Amérique qui ne parvient plus à produire que de la haine et de la violence. Véritable machine à tuer les masses, Gotham City n’est plus la cité néo-médiévale dépeinte dans les DC Comics, mais elle ressemble à s’y méprendre à nos froides mégapoles actuelles. On n’y forge plus des citoyens libres, mais des mésadaptés incapables d’assumer la moindre responsabilité puisqu’ils n’ont plus rien à dire. L’atonie et la souffrance des masses produit ses propres bourreaux, sommes-nous tentés d’ajouter.

    En finir avec les « déchets humains »

    Le Joker représente l’ancien citoyen de la cité dévoyée qui s’est mué en mésadapté au gré du process de la marchandisation des corps et des esprits. Les élites aux commandes ayant décidé d’en finir avec les « déchets humains », il convient de priver le commun des mortels de la moindre parcelle de liberté. Les contribuables confinés dans des habitations insalubres et incapables d’assurer leurs fins de mois attendent, patiemment, d’être immolés par de nouveaux bourreaux.

    Cette fois-ci, contre toute attente, les bourreaux ne sont plus Staline, Hitler ou Mao, mais des inconnus mésadaptés qui, après avoir « pété les plombs », entreprennent de purger l’humanité de son trop-plein d’hypocrisie. Mais, au lieu de s’en prendre aux responsables de leur aliénation, tous les Joker de nos sociétés moribondes se contentent d’abattre les « agneaux silencieux » qui peuplent nos métropoles. Le Joker fait le sale boulot de l’oligarchie en instituant les bains de sang collectifs comme rituel expiatoire du XXIe siècle.

    Patrice-Hans Perrier (Carnets d'un promeneur, 12 octobre 2019)

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  • Le Corps Sauvage...

    Tourné en Bretagne et ayant la chasse et le rapport à la nature sauvage pour thèmes de toile de fond, le nouveau film de Cheyenne-Marie Carron, intitulé Le Corps Sauvage est sorti en DVD. Cinéaste indépendante, Cheyenne-Marie Carron a déjà réalisé dix films dont, notamment, Patries (2015), La chute des hommes (2016) ou La morsure des Dieux (2017).

    Le DVD est disponible sur le site officiel de l'auteur ou sur les grands sites de distribution en ligne.

    Pour en savoir plus sur la réalisatrice, on pourra utilement se reporter au bel article de Ludovic Maubreuil, le critique cinématographique de la revue Éléments, intitulé  Le cinéma de Cheyenne-Marie Carron, mis en ligne sur son blog Cinématique.

     

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    " A la recherche d'une nouvelle façon de vivre, Diane, 25 ans, s'installe chez son grand-père dans un village bordant une forêt où elle pratique la chasse à l'arc. Travaillant comme piqueux, le grand-père lui fait découvrir l'univers de la chasse, ses rites et traditions, ainsi que son village où chacun vit en harmonie, uni aux autres par des valeurs fédératrices. Cette harmonie est bientôt menacée par un groupe de chasseurs sans éthique, mais Diane est décidée à protéger le village et la nature à son corps défendant. "

     

                          

     

                          

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  • Rites d'amour et de mort...

    Les éditions Montparnasse viennent de rééditer en DVD Yûkoku - Rites d'amour et de mort, le film du grand écrivain japonais Yukio Mishima. Dans le coffret, on trouvera la nouvelle de l'auteur, Patriotisme, dont le film est tiré ainsi qu'une présentation du film par Stéphane Giocanti.

     

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    " Yûkoku (Patriotisme) : un film extraordinaire laissé par l’un des plus grands écrivains du siècle. Maudit, détruit, pratiquement oublié dans son propre pays, ce film produit en 1965 est ressorti au Japon grâce à une copie miraculeusement retrouvée en 2005.

    Suivant exactement la narration d’une nouvelle écrite quelques années plus tôt, « Patriotisme », ce film montre de façon stylisée la dernière étreinte amoureuse et le Seppuku d’un jeune lieutenant entièrement dévoué à l’honneur samouraï, le Bushido : répétition de la mort spectaculaire que l’écrivain choisira, le 25 novembre 1970, à Tokyo.

    Film ultra-esthétique, cinéma wagnérien, prolongement filmique du théâtre Nô ou encore document historique, Yûkoku occupe une place unique dans l’art cinématographique du XXe siècle. "

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  • La morsure des Dieux...

    Le nouveau film de Cheyenne-Marie Carron, intitulé La morsure des Dieux est sorti en DVD. Réalisatrice indépendante, Cheyenne-Marie Carron signe là son huitième film après, notamment, Patries (2015) ou La chute des hommes (2016).

    Le DVD est disponible sur le site officiel de l'auteur ou sur les grands sites de distribution en ligne.

    Ludovic Maubreuil, le critique cinématographique de la revue Éléments,  a consacré un bel article au cinéma de Cheyenne-Marie Carron, mis en ligne sur son blog Cinématique.

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    " Sébastien, grand amoureux de sa terre du Pays-Basque, est seul à s'occuper de la ferme familiale alors que les soucis s'accumulent : crédits insurmontables, baisse de la production, désorganisation du milieu paysan… Sébastien se bat et cherche sa voie, qui prend un tour spirituel au contact de sa nouvelle voisine, Juliette, aussi Catholique que lui est Païen. Mais leur amour est remis en question alors que Sébastien, rattrapé par les difficultés, est sur le point de tout perdre… "

     

     

    « La Morsure des dieux », le nouveau film de Cheyenne Carron : le cante jondo français

    Cheyenne Carron est apparue telle une comète dans le paysage cinématographique français au début du XXIème siècle, une comète parce qu’elle semble venir d’un autre monde, celui de l’innocence et de la fraîcheur, qui se moque de la laideur contemporaine, des conformismes et des diktats de la mode ; mais cet ange attaché aux principes divins est armé d’un glaive. Cheyenne Carron, cependant invitée, n’était donc pas présente à la cérémonie des Césars et pour cause : elle n’avait aucune intention de participer à cette mascarade parisiano-parisienne, épicentre de la bien-pensance cinématographique.

    Elle a réalisé son nouveau film, La Morsure des dieux, avec les mêmes moyens financiers que les précédents : ceux de quelques amis qui croient en elle et en son cinéma lumineux, fait d’intuition, de fulgurance et de bienveillance. Ce nouveau film est aussi fait des mêmes ingrédients de base qui sont la marque du cinéma de Cheyenne Carron : une photo qui nous montre de beaux paysages, des acteurs qui jouent comme ils vivent, oubliant la caméra, des silences légers, bercés par le vent, qui en disent plus que des textes, des voix aériennes (que la modernité qualifie de « off ») qui déclament des textes profonds, le « cante jondo » espagnol et, ici, au Pays basque, des chants traditionnels émouvants.

    Cheyenne Carron a choisi pour cadre de son film le Pays basque, vieille terre de légendes, dont la langue et les traditions, à nulles autres pareilles, vont chercher leurs racines dans le monde enfoui de nos origines, où les bergers s’interpellent encore de sommet en sommet, comme un cri de perpétuation qui transcende les médiocrités du temps. Vieux peuple basque qui révère toujours un génie féminin, Mari, compromis entre le nom païen d’origine, Maya, et le nom de la Vierge chrétienne, ce qui n’a pas laissé indifférente la réalisatrice.

    Cheyenne Carron imagine une rencontre entre un jeune homme qui a choisi de rester sur sa terre, prenant la succession de la ferme familiale, et une jeune fille, Juliette, aide-soignante de son métier qui symbolise, avec son personnage empli de douceur et de force, le rôle de catholique ferme dans sa foi, mais aussi tolérante et charitable, qui lui est dévolu.

    Sébastien, comme beaucoup de jeunes gens qui ont décidé leur retour à la terre, seuls ou en communauté, est identitaire, attaché au sol de ses ancêtres, et « païen », terme dont la réalisatrice rappelle la connotation péjorative que les premiers chrétiens donnaient aux paysans ; mais ces nouveaux écologistes enracinés prônent une agriculture saine, tournant le dos au productivisme et à l’empoisonnement des sols et s’intégrant à nouveau dans l’ordre cosmique.

    Sébastien semble être enfermé dans ses velléités, ses faiblesses, ses agressivités et ses frustrations de rebelle, alors que nous aurions attendu un personnage solaire, sûr de ses choix, chevauchant le tigre, mais nous sentons là les probables influences et références de Cheyenne Carron au cinéma intimiste et parfois bavard de la Nouvelle vague comme celui de Truffaut ou à des réalisateurs qui y furent assimilés comme Eric Rohmer ou Maurice Pialat.

    C’est que Cheyenne Carron tient à nous faire découvrir, avec un peu de didactisme, son coup de foudre pour l’univers immense et en partie occulté des anciennes spiritualités européennes, qui avaient fondé et structuré notre monde avant l’apparition du monothéisme chrétien. Face au délitement de notre société, aux bourdonnements et aux craquements inquiétants qui annoncent le raz-de-marée qui emportera tout ce qui n’a pas d’attaches suffisantes pour préparer un monde plus serein, Cheyenne Carron prône un rapprochement entre chrétiens et païens, avec leurs spiritualités inévitablement convergentes qui lui semblent indispensables à la renaissance du monde européen, ou du monde tout court.

    Le meilleur ami de Sébastien est un vieux paysan qui sera acculé au suicide. Une scène du film symbolise tout le drame de la paysannerie actuelle : la voiture du vieil homme tombe en panne et il continue sa route à pied ; Sébastien l’invite sur sa moto, le vieil homme enlève alors son béret basque pour mettre le casque de Sébastien, qui va contenir sa tête, bien serrée, casque rigide, plein de règles imposées par la nouvelle société. La paysannerie va mourir, si rien ne change, des assauts répétés des règlements de l’Union européenne, vouée au mondialisme, de ses représentants syndicaux attachés au productivisme, des lobbies agro-alimentaires, des miettes jetées « fastueusement » aux paysans par les grandes surfaces…

    On songe à ces paroles d’Oswald Spengler, visionnaire, en 1917, il y a cent ans cette année : « Le paysannat a enfanté un jour le marché, la ville rurale, et les a nourris du meilleur de son sang. Maintenant, la ville géante, insatiable, suce la campagne, lui réclame sans cesse de nouveaux flots d’hommes qu’elle dévore, jusqu’à mourir elle-même exsangue dans un désert inhabité… et le paysan reste sur le pavé, figure idiote, ne comprenant rien, incompris de tous, idoine assez pour être un personnage de comédie et pour approvisionner de pain cette cité mondiale. »

    C’est cette figure immuable du vieux paysan, immuable parce qu’il est passé dans l’autre monde, qui conseille à Sébastien d’aller aux sources du monde, à Delphes, d’où partait Apollon vers les terres d’Hyperborée pour se ressourcer et régénérer le monde en permanence. Cheyenne Carron a peut-être compris qu’au-delà du christianisme et du paganisme, existait un pôle, invisible et indicible, auxquels se réfèrent l’un et l’autre, une source invariable, transcendante, qui gère le monde qui tourne autour d’elle comme les rayons de la roue autour du moyeu, la Tradition primordiale.

    Pierre-Emile Blairon (Metamag, 2 mars 2017)

     

                           

     

     

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  • Le « film préféré des Français »...

    Alors que La grande vadrouille, l'un des plus grands succès du cinéma français, est ressorti en salles cet été, nous reproduisons ci-dessous l'excellent article que Paul Fortune consacre à ce film sur son blog...

    Paul Fortune a récemment publié un excellent récit intitulé Poids lourd, dont nous ne pouvons, à nouveau, que vous recommander la lecture.

     

     

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    Le « film préféré des Français »

    On nous ressort la Grande Vadrouille, plus grand succès cinématographique de tous  les temps en France – du moins c’était le cas jusqu’à l’inexplicable succès de l’inepte pantalonnade des « Ch’tis ». La Grande Vadrouille est, paraît-il, le film préféré des Français. Pour une fois, je veux bien le croire, cette préférence n’ayant rien à voir avec les fameuses « personnalités préférées des Français » qui sont surtout les divers préférés des médias qu’on essaye de nous imposer à toute force dans des buts évidents de grossière propagande multiculturaliste. Cependant, les Français dont il s’agit sont probablement tous nés avant 1970, parce qu’il faut bien regarder les choses en face : la Grande Vadrouille commence à prendre un méchant coup de vieux.

    Certes, tous ceux qui ont pu voir les maintes et maintes rediffusions télévisées du film dans les années 80 lorsqu’ils étaient enfants en conservent un bon souvenir, car c’était une comédie plaisante tenue par l’extraordinaire Louis de Funès, mais je ne suis pas sûr que le film fasse autant d’effet si on le revoit aujourd’hui une fois qu’on a atteint l’âge adulte. En fait, la Grande Vadrouille en dit bien plus long qu’on ne le soupçonne sur la mentalité des Français. Le film en lui-même est une réussite comique portée par le génie de Louis de Funès, dont le duo avec Bourvil – dont j’ai toujours détesté le personnage de demi-débile – fonctionne à merveille. Mais sur le fond, ce film donne une image des Français à laquelle il est peu agréable de s’identifier : deux clowns lâches et râleurs arrivent, par leur ingéniosité, à faire tourner les Allemands en bourriques.

    En réalité, il y a deux publics de la Grande Vadrouille. Le premier, c’est celui des gens qui avaient connu la guerre et l’occupation, et à qui le film disait que finalement, tout ça n’était pas si grave et que s’ils n’avaient pas toujours eu un comportement héroïque, les Français avaient quand même été suffisamment malins pour mettre des bâtons dans les roues des Allemands, lesquels n’étaient après tout que des imbéciles raides et disciplinés. Bref, le film faisait l’unanimité parce qu’il allégeait singulièrement le fardeau de la collaboration et de la lâcheté de pas mal de Français. On préférait se voir en crétins retords plutôt qu’en lâches collaborateurs, la position du héros étant par trop improbable. Les Français aimaient se voir en cons sympathiques, peut-être parce que c’est que la plupart d’entre eux auraient voulu être, sentant bien que le côté sympathique avait probablement parfois fait défaut. Il y aurait long à dire cependant sur un peuple qui se reconnaît aussi bien dans un tel duo de losers.

    Le second public est celui de ceux qui n’ont pas connu la guerre et qui voient surtout une bonne comédie. Ceux-là sont souvent des gamins qui pourtant ne peuvent s’identifier au peu héroïque duo, et dont certain ne manqueront pas de remarquer que les Allemands, même s’ils passent pour des cons, ont quand même les uniformes les plus stylés. La puissance comique de Louis de Funès fait toujours mouche, mais j’ai des doutes quand au personnage malsain dans lequel Bourvil se complaît et sur lequel il a fait une partie de sa carrière, et je crois avoir déjà dit ailleurs combien il me mettait mal à l’aise.

    Le vrai film sur la période, sorte de matrice en négatif sortie dix ans avant, c’est La Traversée de Paris, de Claude Autan-Lara. On y trouve déjà de Funès et Bourvil, mais qui ne se complaisent pas dans leurs rôles tardifs de bouffons. De Funès est un lâche colérique et pingre, Bourvil un trouillard magouilleur peu viril dont la hantise est d’être fait cocu. Le film est emmené par Jean Gabin, sorte d’anarchiste de droite au charisme envahissant qui professe un cynisme déplaisant qui empêche qu’on le trouve vraiment sympathique. La vraie France de l’occupation est là : on y trouve des pleutres occupés de petites affaires égoïstes, dérangés dans leur médiocre survie par un provocateur nanti. Personne n’est épargné dans ce tableau dérangeant d’un Paris dans lequel les Allemands perdent toute bonhomie pour devenir une menace bien réelle qui parcourt la nuit et terrifie au moindre bruit. Film scandaleux dans lequel retentit la fameuse réplique « salauds de pauvres » aux accents céliniens, La Traversée de Paris est toujours mal passée : elle tendait aux Français d’après-guerre un miroir un peu trop net.

    Tout cela ne serait que du cinéma si on ne pouvait y lire le défaitisme contemporain. Il semble que la France ne se soit jamais complètement remise moralement de la défaite et de l’occupation. Il est un peu triste que les Français n’aiment rien tant que de se voir en loosers sympathiques, que ce soit devant La Grande Vadrouille ou face aux postiers alcooliques d’un navet réalisé par un comique de seconde zone.

    La Grande Vadrouille reste un bon film avec des moments comiques inoubliables, et en ces temps d’incertitudes identitaires, je ne doute pas que sa franchouillardise bonhomme fasse salle comble. Cependant, c’est plutôt de l’esprit du Gabin de La Traversée de Paris dont nous avons besoin aujourd’hui que de la crétinerie inoffensive et pathétique de Bourvil.

    Paul Fortune (Blog de Paul Fortune, 17 août 2016)

     
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  • Les filles au Moyen-Age...

    Les éditions Agnès b. viennent de sortir en DVD le film d'Hubert Viel, Les filles au Moyen-Age. Jeune réalisateur, revendiquant l'influence de Rohmer et Godard, Hubert Viel signe avec ce film son deuxième long-métrage.

    Vous pouvez découvrir ci-dessous la critique que Ludovic Maubreuil a fait du film d'Hubert Viel dans la revue Éléments.

     

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    Les filles du Moyen-Age

    Un gallo-romain lapide une femme adultère qui ne peut réprimer un sourire complice ; Clovis grelotte sous l’eau de son baptême ; Charles VII rechigne face à l’intransigeance de Jeanne d’Arc, la qualifiant de « Mlle Je-sais-tout » etc… Dans Les Filles au Moyen-Age d’Hubert Viel, au fil de saynètes en noir et blanc, six enfants d’aujourd’hui, âgés d’une dizaine d’années, interprètent pour nous quelques pages de l’Histoire de France. D’ordinaire, les films joués entièrement par des enfants suivent une constante, celle du mimétisme avec le monde adulte. Du Bugsy Malone d’Alan Parker (1976) au Big City de Djamel Bensalah (2006), l’objectif consiste toujours à reprendre une à une, et le mieux possible, les mimiques et les postures du genre. En bout de chaîne, on obtient l’exécrable  Enfants de Timpelbach (2007), inscrivant dans son récit même (des enfants laissés à l’abandon devant organiser la vie d’un village), ce souhait d’atteindre la copie conforme. Chez Hubert Viel au contraire, il ne s’agit nullement de singer les grandes personnes, mais bien de laisser libre cours à ces jeux de rôles enfantins (« on dirait qu’on serait ceci, qu’on ferait cela »), où chacun est à la fois le personnage qu’il s’invente et son propre démiurge, où la règle est de jouer ostensiblement à faire semblant. Dans Les Filles du Moyen-Age, on se chamaille et on se réconcilie, on se moque et on se protège, d’une manière si franche et naïve, si puérile en somme, qu’elle en devient intempestive. En laissant la fantaisie, la fraîcheur et l’humour contaminer des figures historiques, on ne sombre pas nécessairement dans la parodie, car on peut ainsi approcher autrement les délicats dilemmes et les émotions fortes d’une époque si souvent caricaturée. Passer outre le pittoresque des conventions, habituels trompe-l’œil d’un Moyen-Age fossilisé, permet d’appréhender le sens profond de ce qui s’est alors joué. La survenue d’une révélation, l’expression d’une influence, la mise en place d’une relation particulière, toutes ces situations d’autant plus inattendues que notre connaissance de cette période s’avère faussée, deviennent manifestes lorsqu’elles sont ainsi relatées par des cœurs simples. 

    Au-delà même de l’intervention d’enfants, le fait de confronter de la sorte notre époque à son passé, incite à voir en ce dernier non pas une somme d’archaïsmes, un florilège de valeurs périmées, mais bien un héritage vivifiant. C’est au beau film de Franck Cassenti, La Chanson de Roland (1978), que Les Filles au Moyen Age fait alors penser. Au XIIe siècle, des comédiens itinérants y relatent à chacune de leurs étapes, le récit épique ayant pris tragiquement fin au Col de Roncevaux. Le film propose ainsi un dialogue fécond entre cette histoire jouée, datant de trois siècles plus tôt, et celle, tout aussi complexe, qui s’écrit sous les yeux de ses interprètes. De même, Hubert Viel, ne versant ni dans le dispositif distancié ni dans la reconstitution, choisit un espace intermédiaire construit autour de mises en abyme éprouvées par les personnages eux-mêmes, lesquels réalisent ainsi les correspondances et les écarts entre ce qu’ils jouent et ce qu’ils vivent. C’est par leur intermédiaire que le spectateur peut entrer en communion avec l’œuvre, accéder à son tour aux relations entre lois pérennes et vérités d’un jour. C’est en cela que l’on peut qualifier Les Filles de cinéma participatif, car il évite aussi bien le regard surplombant, satisfait de la manipulation des signes, que l’expérience immersive, réduite à la fascination des formes

    Dans Les Filles au Moyen-Age, l’Histoire n’est pas jugée linéaire mais cyclique, comme les métaphores du cercle et de la spirale, dans plusieurs séquences, en témoignent. Cette conception périodique des faits et des actes ne nous paraît pas absolument raccord avec l’eschatologie chrétienne et c’est justement l’une des richesses (l’un des paradoxes ?) du film que de mettre en lien le cercle et la croix. Hubert Viel propose un discours résolument chrétien mais délivre une esthétique laissant une grande place à l’effusion païenne, tout particulièrement grâce à ces mouvements de caméra à la fois minutieux et contemplatifs, célébrant la magnificence du paysage sans pour autant perdre de vue le trajet précis de l’individu qui l’arpente, ne se servant ainsi jamais de l’un comme faire-valoir de l’autre. La beauté du film réside justement dans l’évidence avec laquelle les personnages s’inscrivent dans leur écrin naturel, dans la limpidité de leur présence, telle une émanation littérale, au cœur des prairies, des forêts et des rivières qui les entourent.

    Voici donc un film qui parvient, le plus simplement du monde, sans frime ni ruse, à réunir Pan et Jésus. Au temps du cinéma arrogant et technicien qui ne sachant plus que faire de l’un comme l’autre, s’empresse de les oublier, au temps du règne sans partage de l’assèchement naturaliste comme du formalisme ornemental, c’est sans doute ce que l’on peut appeler une bonne nouvelle.

    Ludovic Maubreuil (Eléments n°159, mars - avril 2016)

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