En Angleterre occupée...

Nous vous signalons la parution récente en DVD, chez Doriane films, d'En Angleterre occupée, un film de Kevin Brownlow et Andrew Mollo, sur le thème uchronique d'une Grande-Bretagne vaincue par l'Allemagne nazie. Certains passage du film, tournés comme des bandes d'actualité d'époque créent un effet de réel vraiment étonnant. Vous pouvez découvrir ci-dessous la critique qu'en a fait Michel Marmin dans le mensuel Le Spectacle du monde de juin 2014.

 

 

" Voici quelques mois, nous vantions ici même (Le Spectacle du monde n°605, novembre 2013) les qualités vraiment exceptionnelles de Winstanley, le second film de Kevin Brownlow et Andrew Mollo, et nous soulignions l'intelligence avec laquelle les deux cinéastes avaient ressuscité à l'écran, de façon quasi documentaire, l'Angleterre du XVIIe siècle. Deux cinéastes de rencontre en réalité, qu'unissaient leurs passions respectives -l'art cinématographique pour Brownlow, les uniformes et les armes pour Mollo - et que la sortie des sentiers battus de la profession n'effrayait pas. Leur association était née une dizaine d'années auparavant, avec un projet complètement fou de Brownlow: un film situé dans une Angleterre que les Allemands auraient envahie après la débâcle de Dunkerque, en 1940, et où aurait été instauré un régime national-socialiste. Brownlow était alors un tout jeune homme qui n'avait pas froid aux yeux, qui ne doutait de rien et n'avait pratiquement pas un penny devant lui. L'aventure aurait autrefois tourné court si Mollo, encore plus jeune que lui, n'était venu lui proposer de reprendre le projet pratiquement à zéro, sur des bases plus solides et crédibles. Le tournage, étalé sur plusieurs années faute de moyens, n'en fut pas facilité, mais la sortie du film, en 1966, fut un événement d'autant plus inattendu qu' En Angleterre occupée n'avait pas coûté plus cher, selon les calculs de Brownlow, que le générique d'un James Bond.

Jamais uchronie n'aura été aussi saisissante que l'histoire de cette infirmière plongée dans le chaos national, et qui, après avoir assisté à la mort de femmes et d'enfants tués « collatéralement » par des résistants antinazis, rallie le parti collaborationniste au pouvoir à Londres. Voir la Wehrmacht parader à Trafalgar Square comme aux actualités n'est pas quelque chose que l'on risque d'oublier, pour ne prendre que cet exemple! Mais le plus important n'est pas là. Il est dans le discours que délivre le film. Que disent en effet Brownlow et Mollo? Qu'il y aurait sans doute eu, en Angleterre comme ailleurs, des gens de bonne foi et de bonne volonté parmi les collaborateurs des Allemands (c'est le cas de l'héroïne), que les engagements politiques sont souvent déterminés par le hasard des circonstances et que, dans une guerre civile, les horreurs sont toujours de tous les camps. Significativement, le film s'achève, après la victoire de la Résistance appuyée par un débarquement américain, par le massacre des Waffen SS anglais qui ont fait leur reddition drapeau blanc en tête ... Il n'y a là absolument aucune complaisance morbide de la pan des auteurs, mais un souci d'objectivité « historique » et d'honnêteté dramatique qui, s'il allait de soi il y a cinquante ans, serait peut-être moins bien compris aujourd'hui.

D'ailleurs, la réalisation du film n'a pas manqué de susciter des débats parfois violents entre Brownlow et Mollo, et pas seulement sur des questions de forme. Brownlow, notamment, était tout à fait conscient du risque de donner prise à la fascination du nazisme, et il n'est pas sûr que le film y ait totalement échappé. Exploit cinématographique sans précédent et enjeu idéologique majeur, En Angleterre occupée ne doit pas seulement être vu et revu. Il doit aussi être lu: En Angleterre occupée est également le titre du livre que Kevin Brownlow a consacré en 1968 à la production et à la réalisation du film, et dont une traduction française vient enfin de paraître, dans une édition très soignée et dotée d'une iconographie captivante, parfaitement accordée au texte.

Ce livre, nous le disons très sincèrement, est l'un des plus beaux témoignages qu'il nous ait été donné de lire dans notre vie de cinéphile.

Michel Marmin (Le Spectacle du monde, juin 2014) "

 

En Angleterre occupée - Journal d'un tournage, de Kevin Brownlow (La Tour verte, 2014)

 

Le destin de Mishima...

Les éditions Dissidenz films viennent de publier en DVD le film de Koji Wakamatsu intitulé 25 novembre 1970 : le jour où Mishima a choisi son destin. Auteur de nombreux films, Koji Wakamatsu a notamment réalisé United Red Army (2008), qui s'intéresse l'Armée rouge japonaise, une organisation terroriste des années 70...

 

" Le 25 novembre 1970, un homme se donne la mort dans le quartier général du commandement de l’armée japonaise à Tokyo, geste qui va durablement marquer le pays du soleil levant. Il laisse derrière lui une longue liste de chefs-d’œuvre littéraires et une controverse qui ne s’est jamais éteinte. Cet homme s’appelait Yukio Mishima, un des romanciers les plus célèbres et les plus respectés du Japon.

Quelques heures auparavant, avec quatre membres de son armée personnelle, le Tatenokai, Mishima avait pris en otage le commandant du quartier général. S’adressant aux soldats rassemblés dans la cour, il leur demanda de l’aider à renverser le régime et restaurer le pouvoir de l’Empereur. Lorsque pour toutes réponses il ne reçut que des insultes, il interrompit son discours, se retira dans le bureau du commandant et choisit de commettre le seppuku, le suicide rituel du samouraï.

Que voulait exprimer Mishima à travers ses derniers actes ? Quel était le sens de son action et comment des centaines d’étudiants en sont-ils venus à s’engager à ses côtés ?

Afin de saisir l’ampleur de ce geste extrême dans l’histoire et la vie politique japonaise, le dernier grand film de Wakamatsu relate les dernières années de Mishima ainsi que ses nombreux combats idéologiques. Alors qu’il est en lice pour un Prix Nobel, l’artiste entame un rigoureux entraînement militaire où il fait la rencontre d’étudiants de droite. Ensemble, ils forment une milice privée, le Tatenokai (la société du Bouclier), voué à  la défense des valeurs japonaises et de l’honneur des samouraïs. Selon Mishima en effet, seule la restauration du pouvoir de l’Empereur peut sauver le Japon, et il est prêt à tout pour concrétiser ce projet, même y laisser sa vie.

Avec cette fresque biographique, Koji Wakamatsu, l’enfant terrible du cinéma pink, poursuit un cycle entamé en 2007 avec United Red Army, où il relate les sombres chapitres de l’histoire contemporaine de son pays. En traçant le portrait chaotique de l’un des plus grands romanciers de son époque, le réalisateur du Soldat Dieu signe une critique sévère mais juste des sacrifices qu’entraîne inévitablement le militantisme poussé à l’extrême, qu’il soit de gauche ou de droite. Wakamatsu ne représente pas Mishima comme un héros, mais plutôt comme un homme déchiré par ses propres principes, et surtout interroge ses motivations et celles de ses jeunes disciples, en quelques mots : les notions d’engagement et d’action individuelle vs collective qui lui sont chères.

Et bien qu’il traite d’événements ayant eu lieu il y a près d’un demi-siècle, 25 novembre 1970 : Le jour ou Mishima choisit son destin n’en demeure pas moins un film rouge d’actualité. Il s’agit de la lettre qu’adresse un cinéaste de la révolte aux jeunes manifestants du monde entier, alors que le vent commence à tourner…"

 

 

Un triste Hobbit...

Nous reproduisons ci-dessous la critique éclairée de Ludovic Maubreuil consacrée au deuxième volet du film Le Hobbit, de Peter Jackson, et publiée dans la revue Éléments (n°150, janvier - mars 20014). Si les trois films que Peter Jackson avaient tiré de l’œuvre de J.R.R. Tolkien, Le Seigneur des Anneaux, étaient contestables , voire irritants, ils ne manquaient pas d'un réel souffle épique, avec quelques très belles scènes, et des paysages magnifiques. Le Hobbit, en revanche, n'est qu'un film d'action à la sauce hollywoodienne, dans lequel tout l'esprit de l’œuvre originale a disparu. Dommage...

On peut lire les critiques de films et de livres de Ludovic Maubreuil sur son blog Cinématique.

 

 

Le Hobbit

Comme il l'avait fait pour son adaptation du Seigneur des Anneaux (2001-2003), Peter Jackson dans sa nouvelle trilogie inspirée cette fois du Hobbit (2012-2013), invente des personnages et des situations presque autant qu'il en oublie. Ainsi remodèle-t-il l'épopée à sa guise, construisant à force d'ajouts et d'omissions, un tout autre récit que celui inventé il y a plus d'un demi-siècle par l'écrivain britannique JRR Tolkien.

Dans Un voyage inattendu (2012), apparaît ainsi un certain Radagast, absent du roman. Celui-ci n'est toutefois pas inventé par Jackson, puisqu'il est cité par Tolkien dans Le Seigneur des anneaux et les Contes et légendes inachevés, mais c'est sa présentation qui pose question. Celui-ci appartient en effet, comme Gandalf et Saroumane, à la mystérieuse caste des Mages, lesquels font partie des Maiar, qui comptent parmi les premiers êtres du monde et sont apparentés à des divinités. S'il est à peine décrit chez Tolkien, Radagast rivalise ici de mimiques grotesques et de balbutiements hébétés, des fientes d'oiseaux plein les cheveux. Ce qui a pour conséquence, non pas d'amener un peu de légèreté (car règne ici un redoutable esprit de sérieux et la plupart des scènes gaies ou cocasses du roman sont gommées), mais bien d'altérer la taxinomie de Tolkien et de brouiller ses classifications. Montrer un Mage farfelu au lieu d’imposant, c'est du même ordre que faire d'un Nain comme Thorin, dans La Désolation de Smaug (2013), un individu noble et courageux, plutôt que pompeux et grippe-sou. Et ce, en complète contradiction avec le roman qui n'a jamais fait dire à ce descendant de roi qu'il venait reprendre son royaume, mais bien en premier lieu son trésor ! Là où Tolkien s'est attaché, pour chacune de ses créatures, à établir des caractéristiques et des spécificités, le compresseur hollywoodien ne veut voir que des humains interchangeables, faillibles et attachants, gentiment déguisés. Sur ce principe syncrétiste, l'Elfe Tauriel et le Nain Kili peuvent alors se faire les yeux doux sans grand dommage, alors que ceci demeure inconcevable dans l'univers tolkienien. Selon une logique de complémentarité bien comprise, les différentes communautés n’y coopèrent en effet qu’en fonction de ce qui les sépare. Passer outre la barrière d’espèce ne peut en aucune manière constituer une routine mais bien une dramatique exception, comme en témoigne la tragique histoire d’Arwen et Aragorn. 

Arrêtons-nous sur Tauriel. Inventée de toutes pièces, sa présence sert évidemment un objectif commercial, puisque si le livre est totalement dépourvu de personnages féminins (exception faite des Araignées voraces), un film de cette ampleur financière doit permettre l'identification du plus grand nombre. Mais cette Elfe des bois est surtout un tribut payé au cinématographiquement correct, lequel tient à ses quotas. Elle s'inclut dans toute une série d'entorses aux descriptions du roman, comme ce Roi des Elfes résolument queer, ce nain obèse (Bombur) décimant ses ennemis non pas malgré son surpoids mais bien grâce à lui, ces visages enfin noirs parmi les Hommes habitant Lacville. Ce dernier détail, rien moins qu'anodin, associé au fait que le plus cruel des Orques est albinos, s'emploie à récuser  tout racisme, accusation qui commençait à poindre devant cette opposition trop systématique au goût de certains, entre la noblesse des «blancs» et l’indignité des «noirs» ! Oui, Tauriel est bien une héroïne idéologique de plus. Reprenant à son compte des attributs classiquement masculins comme la bravoure ou les capacités décisionnelles, tout en conservant des valeurs féminines de protection et de soin, elle prouve que la dé-genrisation des comportements sert avant tout la domination d'un nouveau sexe, et sous une forme inédite : le maternage autoritaire.

C'est toutefois la place démesurée réservée à Azog qui modifie profondément l'âme du récit. L'anachronique histoire de vengeance entre cet orque et le Nain Thorin qui l'aurait blessé autrefois, transforme les pérégrinations des héros en fuite en avant. En rajoutant cette meute à leurs trousses, l'histoire contée tient alors davantage de la traque que de la quête. Ainsi contrairement au roman, n'y a t-il pas jamais d'attente, d'hésitation ou de rumination avant la Rencontre initiatique, car celle-ci se réduit à une succession d'obstacles, vite surmontés et vite oubliés. Chez Tolkien, la durée du trajet est capitale : c'est par le temps passé à prendre conscience de ce qu’on a perdu ou à espérer en ce qui va renaître, que l'on s'aguerrit. Ce n'est pas pour rien que des combats peuvent y être relatés en quelques lignes et des errances sur plusieurs pages (les films à l'inverse démultiplient les premiers et sacrifient les secondes). Remplacer la quête par la traque, c'est déclasser l'épiphanie du moment présent au nom de la crainte phobique de ce qui pourrait nous rattraper. C'est privilégier l'accumulation maladive qui refoule le passé aux épreuves de maturation qui le cristallise. C'est ne vivre l'événement que selon un principe de diversion, plutôt que d'y goûter une expérience précieuse. Poussée par les conséquences d'une faute (d'un péché?) autrefois commise, la course éperdue des héros jacksonniens leur interdit l’essentiel : considérer avec gravité ce qui s’effondre tout en s’inclinant devant les prévenances du Destin.

Homogénéisation forcenée sous couvert de diversité parodique, utilitarisme névrotique comme seul manière d’être au monde, voilà donc le Hobbit de Jackson. On ne peut faire plus contraire à l'esprit tolkienien. Privilégiant l'interdépendance entre toutes les manifestations de la Nature, et donc entre le «bien» et le «mal», interdépendance rendue efficiente par la différenciation même de chacune de ses parties, défendant une éthique de l'audace et de la responsabilité, faisant tout autant fi du remords et de la honte que de l'orgueil et de l'envie, celui-ci se révèle tout simplement irréductible à la morale volontariste et manichéenne d'Hollywood.

Ludovic Maubreuil (Éléments n°150, janvier - mars 2014)

Un film d'homme filmé à hauteur d'homme...

L'INA vient de publier en DVD La section Anderson, le célèbre reportage de Pierre Schoendoerffer sur la guerre du Vietnam vue au sein d'une section d'infanterie américaine. Vous pouvez découvrir ci-dessous la critique qu'en a fait Michel Marmin dans le mensuel Le spectacle du monde de mars 2014.

 

 

    La section Anderson de Pierre Schoendoerffer

En 1966, l’engagement des États-Unis au Viêtnam était monté en puissance (près de 400 000 hommes sur le théâtre), avec pour objectif l’écrasement de la rébellion communiste au Viêtnam du Sud, le Pentagone comptant sur son aviation de bombardement pour mettre le Nord à genoux. La seconde guerre d’Indochine avait vraiment commencé. Les images que les téléspectateurs pouvaient déjà découvrir étaient certes terribles, et l’on sait quel effet dévastateur elles auraient bientôt sur l’opinion publique américaine. Mais elles ne disaient pas comment les soldats américains, de très jeunes appelés pour la plupart, vivaient cette guerre, eux qu’aucun lien historique, culturel ou personnel n’attachait à un pays mystérieux et inquiétant, situé à des milliers de kilomètres de leur foyer, et c’est bien là toute la différence avec la première guerre d’Indochine. Ce vécu, un seul cinéaste au monde était capable de le comprendre, de le partager et de le traduire en images : Pierre Schoendoerffer.

Auréolé de la gloire que lui avait apportée la 317e Section (1963) où, fort de son propre passé indochinois, il avait exprimé de façon rigoureuse et pudique le drame du corps expéditionnaire français, Schoendoerffer, épaulé par son cameraman Dominique Merlin et son preneur de son Raymond Adam, a accompagné pendant six semaines une section de la 1re division de cavalerie, commandée par le lieutenant Joseph B. Anderson. Soit une grosse trentaine d’hommes, assez représentative de la population américaine : des Blancs de souches très diverses, des Noirs (dont le lieutenant Anderson lui-même), et même un Indien. En réalité, les Français ont fait beaucoup plus qu’accompagner les Américains au combat; ils se sont amalgamés à eux, faisant rapidement oublier qu’ils ne portaient pas de fusil. Le miracle de ce documentaire, c’est d’avoir fait oublier la caméra à ceux qu’elle filmait et, par voie de conséquence, de l’avoir fait oublier aussi aux spectateurs. Réalisé pour le célèbre magazine télévisé Cinq Colonnes à la une, et diffusé le 3 février 1967 sur la première chaîne de l’ORTF, la Section Anderson est un chef-d’oeuvre absolu : près d’un demi-siècle après, il a gardé une faculté d’émotion à laquelle aucun film rétrospectif sur la guerre du Viêtnam, fussent-ils signés Francis Ford Coppola, Michael Cimino ou Stanley Kubrick, n’a pu prétendre. La raison en est que ce film d’hommes est filmé à hauteur d’homme, toujours à l’exacte distance du regard humain. Mais ce n’est pas tout. Schoendoerffer n’a pas seulement évité les pièges du spectacle – et pourtant la Section Anderson est un film où l’on voit des soldats mourir et où un hélicoptère s’écrase sous nos yeux. Il a su donner la juste mesure du temps de la guerre, avec ses phases intenses de combat, ses attentes angoissantes, ses explosions soudaines, mais aussi « avec ses chants ses longs loisirs », comme le chantait Apollinaire. Et au bout, on a une oeuvre que son auteur aurait pu appeler la Condition humaine si le titre n’avait été déjà employé… Car, au fond, de quoi nous parle Schoendoerffer ? De la fraternité, telle que peut la révéler l’expérience initiatique de la peur et du courage, le baptême du feu prenant ici son sens le plus profond. Vingt ans après, Schoendoerffer a pu retrouver aux quatre coins des Etats-Unis une dizaine de survivants de la section, dont le lieutenant Anderson lui-même. Il les a filmés chez eux, puis il les a réunis. Le document qui a résulté de cette rencontre, Réminiscence (1989), est bouleversant. 

Michel Marmin (Le spectacle du monde, mars 2014)

Laurent Dandrieu fait son cinéma...

Les éditions de L'Homme nouveau viennent de publier un Dictionnaire passionné du cinéma établi par Laurent Dandrieu. Journaliste et critique de cinéma à Valeurs actuelles, Laurent Dandrieu était, dans les années 90, un des animateurs de la revue Réaction, remarquable revue de la droite littéraire de conviction. Il a récemment publié Woody Allen - Portrait d'un antimoderne (CNRS éditions, 2012).

 

" Comment s’y retrouver dans une production cinématographique surabondante, et de plus en plus accessible au gré des rééditions vidéo, mais aussi de la multiplication des chaînes de télévision ? Comment distinguer ce qui vaut la peine d’être vu de ce qui est une simple perte de temps, les films qui élèvent de ceux qui dégradent, ceux qui ouvrent au spectateur de nouveaux horizons de ceux qui l’enferment dans une vision négative de l’existence ?
Offrant une sélection très large du cinéma récent, mais aussi des grands classiques, chefs-d’œuvre, curiosités ou fausses valeurs que le septième art a produits depuis l’origine, Laurent Dandrieu présente 6000 films à regarder ou à éviter. Par rapport aux autres dictionnaires existants, son Dictionnaire passionné du cinéma offre la singularité de voir un même et unique critique analyser un très large éventail de films, en toute indépendance de jugement, sans égard pour les notoriétés établies et les admirations obligatoires.
Au passage, ces pages sont l’occasion de décrypter le monde tel qu’il va ou tel qu’il ne va pas ; à travers le miroir qu’en fournit la production cinématographique du monde entier, c’est ainsi un état des lieux de la modernité, de l’esprit du siècle et de sa conception de l’homme qui se dessine. "

Sigurdr...

En ce 11 novembre, en hommage aux guerriers européens morts au champ d'honneur, je vous invite à découvrir cette belle animation réalisée par des élèves de l'Ecole Supérieure Des Métiers Artistiques de Toulouse. Un travail prometteur !...

Sigurdr (2013) from ESMA MOVIES on Vimeo.